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Arte

LUZ, VACIO Y SENSUALIDAD EN LA OBRA DE JAN GOSSAERT

Fue una mera casualidad la que me llevó a encontrarme con la obra del pintor flamenco Jan Gossaert (1478 – 1532). No era mi objetivo principal de una reciente visita al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Me he sentido profundamente impactado por un artista del que nada sabía antes, pero cuyos trabajos, excepcionales por sí solos, son a mi modo de ver un puente entre el arte medieval tardío de pintores como Hyeronimus Bosch o Jan van Eyck, y el renacentismo flamenco de Peter Paul Rubens, Pieter Bruegel, Lucas van Leyden, o Jan Vermeyen y, mucho más tarde, de Hals, Rembrandt, y Vermeer.

Poco sabemos de Gossaert quien, como muchos elementos de Flandes, es ubicuo. En algunas partes es conocido como Gossaert, en otras como Mabuse, y aún en otras como Jennyn van Hennegouwe, Jenni Antwerpen, o Johannes Malbodius. Quizás las razones de sus múltiples identidades son políticas, quizás él mismo como flamenco se sabía pequeño y atrapado entre franceses, alemanes, ingleses, holandeses y por ende debía adoptar varias identidades. Su obra se elabora al inicio del reinado de Carlos I (o Carlos V, como le conocemos de este lado del Atlántico, y en España). Trabajó, como todos los pintores de su época, a sueldo de poderosos que querían verse retratados en las escenas bíblicas – Gossaert como otros acepta el gambito, y crea arte a cambio de esas pequeñas concesiones.

La exposición del “Met” se tituló “Hombre, Mito y Placeres Sensuales: el Renacimiento de Jan Gossaert; los folletos del museo indicaban que es la primera retrospectiva que se ha hecho de este artista en 45 años.

Como hombre del Renacimiento, Gossaert es de los primeros artistas flamencos – continúa la literatura oficial de la exposición – en incorporar elementos visuales griegos y romanos a sus pinturas, y ciertamente un pionero en conjuntar elementos míticos greco-romanos, escenas bíblicas y desnudos en sus temas. De hecho, apunta esta versión, en Gossaert el arte flamenco se aleja de Van Eyck, y se pone en camino hacia Rubens.

No soy crítico de arte ni tengo elementos suficientes para rebatir esa teoría, o siquiera para coincidir plenamente con ella.

Sólo sé que hay algo profundamente poderoso y comunicativo en la obra de Gossaert, algo que trasciende a la mera transición de estilos, o inclusive a su vanguardismo, algo que lo hace único. “Hombre, Mito y Placeres Sensuales” es una descripción apenas justa de su obra. Su estética del cuerpo humano ciertamente estuvo influenciada por su estadía en Roma en 1508 y 1509. Pero dejo que la curadora de la exposición, Maryan Ainsworth, lo explique en sus propias palabras (hacer click en el audio file):

Para mí, hay tres elementos centrales en la obra de Gossaert: luz, vacío y sensualidad.

LUZ: Nacido en un país al que favorecen las sombras, Gossaert es extremadamente pulcro y directo en el manejo de la luz en sus cuadros. Cuando maneja desnudos, la luz emana de los cuerpos mismos, mostrando la sensualidad y complejidad de la figura humana. Pero Gossaert también pintó obras donde la luz es el tema, el enfoque, el núcleo de la escena. De particular fuerza es Cristo en el Jardín de Getsemaní (aprox. 1510), un óleo que representa la escena bíblica de Cristo orando en el jardín, en el inicio de su Pasión. La luz es la protagonista de esta escena, surgiendo discreta, pero poderosa, de una luna en cuarto menguante situada en el ángulo superior izquierdo del cuadro. Es una luz que revela algunos rostros, incluyendo el de Jesús, y oculta otros; una luz que crea sombras que anticipan la tragedia que ha de sobrevenir. Este manejo de la luz contrasta con el de la tardía Venus (1521), al parecer encargada por Felipe de Borgoña, un óleo de profundo erotismo: Venus es luz pura, al grado que los otros objetos del cuadro apenas se pueden percibir con claridad. Venus se mira al espejo, y el casco que se encuentra a sus pies, perteneciente a Marte, nos parece indicar que el dios de la guerra espera a la diosa para un encuentro amoroso.

 

VACIO: En la teoría del arte, se conoce como horror vacui al principio según el cual el artista evita dejar zonas “en blanco” en un cuadro. La teoría fue elaborada para describir cuadros de fines del siglo XIX, pero tengo la impresión que ciertos artistas flamencos, en particular el Bosco y Gossaert, padecían de este horror al vacío, y en ciertos cuadros buscaban que no hubiese un centímetro cuadrado donde no apareciese un personaje o se contase una historia. Claramente, El Jardín de las Delicias del Bosco es un ejemplo de horror al vacío. Gossaert también abundó en el ese estilo, y prueba de ello es el Tríptico de Malvagna, pintado entre 1513 y 1515, y donde Gossaert contó con la colaboración de Gerard David, otro gran maestro flamenco. El tríptico muestra una imagen frecuente en Gossaert: la virgen y el niño Jesús, en esta ocasión rodeados de un coro de ángeles, y con Santa Catalina y Santa Dorotea en los paneles de izquierda y derecha. La imagen está enmarca con un impresionante dosel gótico; dentro de él, la mirada se pierde en infinidad de escenas y personajes que se ocultan, diminutas, en el fondo de la pintura.

SENSUALIDAD: La sensualidad en la obra de Gossaert no se limita al uso del desnudo en sus cuadros; en los cuerpos de Gossaert, se establece una relación directa entre el personaje retratado y el observador, un diálogo que es un encuentro de cuerpos, el que mira y el que es mirado. En pocos cuadros esta sensualidad es tan evidente como en los dos óleos Cristo sobre la Piedra Fría, el primero de 1527 y el segundo de 1530, ambas dos versiones de una misma escena en la que Jesús contempla con horror y resignación el drama de su tortura y futura ejecución. En ambas pinturas, el cuerpo contrahecho de Jesús se nos muestra en primerísimo plano. Gossaert pinta al Cristo torturado para que se establezca esa relación directa con el observador. De nuevo la luminosidad del cuerpo juega un papel primordial. Este es el erotismo místico del que hablaba Bataille, el erotismo de la pasión llevada al grado de la destrucción del cuerpo físico: lo que vive Jesús ya no es humano, y nosotros vemos, aterrados, sobrecogidos, la escena en primer plano.

Dejo un último párrafo para hablar de un cuadro al que volví tres o cuatro veces en el breve tiempo en que puede contemplar la exposición: San Jerónimo Penitente (1510), un díptico que cuenta escenas de la vida de San Jerónimo, y que Gossaert pintó en varios tonos de gris, con tan magistral precisión, que podríamos estar contemplando una obra gótica del siglo XIX o inclusive expresionista. Hay un tono de sueño, tal vez de pesadilla, de velada amenaza o de inevitable tragedia: hay una profunda desesperación en los árboles desnudos de hojas, en las piedras desnudas del trasfondo, en la escasa vestimenta de los protagonistas. Si Gossaert a veces sentía el horror al vacío en sus cuadros, aquí deja que la simpleza casi desértica de la imagen nos sobrecoja. La luz se muere de agotamiento, apenas se entrevé tras las lejanas montañas. Los cuerpos son metálicos, la sensualidad ha muerto. No hay suavidad de formas, no hay resquicio para el consuelo.

Acerca de gerardo1313

Escritor, periodista, comunicador y comentarista mexicano. Reside en Chicago. Autor del libro de relatos A veces llovia en Chicago (Ediciones Vocesueltas/Libros Magenta, 2011, ganador del Premio Interamericano Carlos Montemayor 2013), la obra de teatro Blind Spot (Ganadora del Primer Premio Hispano de Dramaturgia de Chicago, 2014, publicada por Literal Publishers en la coleccion (dis) locados, y el poemario En el pais del silencio (publicado en 2015 por Ediciones Oblicuas, Barcelona). Director editorial de la revista contratiempo (http://contratiempo.net)

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